Dvorák - Plus IV

Philharmonische Matinee der Theatergemeinde am

Sonntag, 29.04.2007 um 11:00 Uhr im Kleinen Goldenen Saal (Jesuitengasse 12)

mit dem Augsburger Streichquartett und Luc Aeschlimann (Cello) als Gast

Programm:

Antonin Dvorák (1841 – 1904)

        Streichquartett F-Dur op. 96 („Das Amerikanische“)

            – Allegro, ma non tanto
            – Lento
            – Molto vivace
            – Finale: vivace ma non troppo

— P A U S E —

Franz Schubert  (1797 – 1828)

        Quintett für 2 Violinen, Viola und 2 Violoncelli C-Dur (D956)

– Allegro ma non troppo
– Adagio
– Scherzo. Presto - Trio.  Andante sostenuto
– Allegretto

Antonín Dvorák: Streichquartett F-Dur op. 96 „Das Amerikanische“

Für Antonín Dvorák ist die Kammermusik neben der Oper und der Sinfonik die dritte Säule seines Schaffens. Insgesamt schuf er, der selbst Bratscher war, über 40 Kammermusikwerke in fast allen Besetzungen mit Ausnahme von Duo-Literatur. Die Streichinstrumente dominieren dabei. Sein eigentliches Komponieren, das er selbst als werkwürdig ansah, beginnt bezeichnenderweise mit zwei Kammermusikwerken, dem Streichquintett op.1 in a-Moll und dem Streichquartett op. 2 in A-Dur, derjenigen Gattung, die mit insgesamt 14 Kompositionen den Spitzenplatz in Dvoráks Kammermusik beansprucht.
 
Das sogenannte „amerikanische“ Streichquartett op. 96 verdankt seinen Beinamen zunächst der schlichten Tatsache, dass Dvorák es im Jahre 1893 in den USA komponierte. Dvorák war 1892 einem Ruf nach New York gefolgt, wo er bis 1895 am National Conservatory of Music als künstlerischer Direktor und Kompositionsprofessor arbeitete. In ländlicher Abgeschiedenheit im kleine Ort Spillville (Iowa) entstand sein F-Dur-Quartett, op. 96. Schon die Tonart F-Dur verweist auf den pastoralen Charakter des Werkes. Dvorák ließ sich nach 8 Monaten Großstadttrubel von der ländlichen Atmosphäre Iowas gefangen nehmen. Jeder der Sätze beginnt mit einer Art atmosphärischen Klangeinstimmung. Dvorák selbst verweist auf eine von ihm bewusst gewollte kunstvoll angelegte Kunstlosigkeit, bzw. Einfachheit dieses Werkes, und dies, obwohl doch gerade das Streichquartett traditionell eine Gattung der besonderen Dichte und Kunstfertigkeit des Tonsatzes ist. „Als ich dieses Quartett im Jahre 1893 1200 Meilen entfernt von New York schrieb, wollte ich einmal etwas ganz Melodisches und Einfaches niederschreiben.“
    Schon die Kürze des Werkes fällt aus dem Rahmen dieses für Dvorák singulären Werkes. Der Bezug zur Volksmusik mit Anklängen an das amerikanische Spiritual wie auch an Indianisches gelingt Dvorák dadurch, dass er mit sogenannten 5-Ton-Skalen komponiert. Sowohl seine Melodik, aber auch die Harmonik des ganzen Werkes gründet darin, dass er oft sogar nur vier Töne, f, a, c, und d benutzt, hier und da nur erweitert. Dieser Tonvorrat und das Aussparen eines Leittones forderte höchste kompositorische Ökonomie und garantiert aber zugleich eine ursprüngliche naturhafte Klangwelt. Auf der anderen Seite benutzt Dvorák charakteristische, für amerikanische Volksmusik typische synkopische Rhythmen, die die Akzente zwischen die Taktschwerpunkte setzen. Der langsame zweite Satz wirkt wie eine große lyrische Gesangsszene, bei der Violine und Cello als Protagonisten auftreten. Die dialogische Gleichwertigkeit der vier Streicher wird hier, für ein Streichquartett untypisch, komplett aufgehoben. Im dritten Satz verwendet Dvorák zu Beginn im Unisono von Bratsche und Cello den Vogelruf der amerikanischen Prachtmeise und lässt eine Art Vogelkonzert mit drei Tönen entstehen. Der Schlusssatz ist bestimmt von wiederkehrender unterlegter Grundrhythmik und wartet auf mit überraschenden choralartigen Einschüben.

Franz Schubert: Quintett für 2 Violinen, Viola und 2 Violoncelli C-Dur (D956)

Die Kammermusik spielt neben dem alles überragenden Lied und der Sinfonik in Franz Schuberts Schaffen eine bedeutende Rolle. Gerade seine späten Kammermusikwerke tragen sehr persönliche Züge und haben einen ganz eigenen ausgesprochen ernsten Charakter. Im September 1828 (Schuberts Todesjahr) entstanden, ist es das letzte Kammermusikwerk des Komponisten. In seinem Ernst und seinen Kühnheiten ist es eines der herausragenden Kammermusikwerke der Musikliteratur überhaupt. In Schuberts Äußerung „Meine Erzeugnisse sind durch den Verstand für Musik und durch meinen Schmerz vorhanden, jene, welche der Schmerz allein erzeugt hat, scheinen am wenigsten die Welt zu erfreuen“,  fokussiert sich eine Art Leitmotiv der späten Jahre, wenn die Musik auch nicht nur von Schmerz erfüllt ist, so tritt doch eine Art Radikalisierung der musikalischen Mittel bei Schubert ein.

In der Nachfolge Beethovens hat Schubert hier den Rahmen geselliger Hausmusik weit hinter sich gelassen. Typische Spätwerkmerkmale bestimmen auch dieses C-Dur Quintett: ein charakteristischer Dur-Moll-Wechsel, der unvermittelt einbricht; langsame Einleitungen mit Verdunklungen des ersten Akkordes sowie unheimlich wirkende Tremoli, die bis dahin nur in der Oper Verwendung fanden. Außerdem ist eine ganz bestimmte Melodik charakteristisch, die scheinbar ziellos wirkt, nicht zu einem Ende strebt und in sich selbst zu kreisen scheint. Rhythmische unruhige Überlagerungen treten hinzu, wie beispielsweise in der Durchführung des ersten Satzes. Die Besetzung des Quintetts mit zwei Violoncelli statt zweier Bratschen ist eine Besonderheit der Quintett-Besetzung. Schubert scheint Wert darauf gelegt zu haben, dass das eine Cello, befreit von seiner Bassfunktion, in quasi tenoraler Lage als singend-melodisch führendes Instrument in das Geschehen eingreifen darf und soll.
Von zentralem Gewicht ist der langsame Satz des Quintetts, das Adagio. Es ist eine Art „Idyll“, das durch den jähen Ausbruch des Mittelteils als bedrohtes Idyll enttarnt wird. Einer der bestürzendsten und rätselhaftesten Sätze in Schubert Musik überhaupt. Das „Idyll“ ist dabei charakterisiert durch stets, meist ins Leere aufende Melodieansätze der erste Geige. Der Gesamtklang ist fahl, flautandoartig. Die tiefen Streicher tupfen hier ihre Pizzicati hinein, die Mittelstimmen lassen zugleich ein permanentes Klangband strömen, das teilweise melodische Aufgaben übernimmt und die erste Geige somit ergänzen. Der Grundgedanke dieses Satzes, der sich auf das ganze Werk auswirkt, benennt Peter Gülke sehr treffend: „Schuberts Musik bezahlt die lyrischen Paradiese teuer – das macht sie glaubwürdig und schützt ihn gegen den Verdacht, mit ihnen, so zauberhaft wie anfechtbar, Missbrauch zu treiben. Dem Maß der Erfüllungen entspricht dasjenige ihrer Bedrohungen.

Das Augsburger Streichquartett 

Gast-Cellist: Luc Aeschlimann: